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mercoledì 19 luglio 2017

Sepulchral Whore - Everlasting Morbid Delight

#PER CHI AMA: Death Oldschool, Morbid Angel, Death
A fresh death metal band from Brazil that plays on the thrashier end of the spectrum, Sepulchral Whore indulges in Hell's irreverent depravity in “Everlasting Morbid Delights” as it pays homage to the early progenitors of this most obscene style.

Nowhere is Death so near as in “Horrifying the Weak”, with what sounds like a slower version of the “Born Dead” riff from “Leprosy”, or “In Slumber they Succumb”, where the band beats the unforgiving snare into a mechanical mechanism before setting off some hair-raising and original soloing that gives little nods to the guitar gods of yesteryear. The very Morbid Angel sounding opening in “Malicious Conflagration”, produced just like the bassy and rolling guitars in “Covenant”, becomes a raw and open echo across an imposing hall and begins a vocal delivery that sounds like it's giving a speech to an unholy army about its latest ambition for conquest. In a heavily accented and echoing voice the lyrics do get a little awkward at times while attempting to finish a lyric after the sound has already outrun what was written down, like when vocalist, Necrospinal, says “let's breathe antagonism”. Despite these minor wonky moments, the great chanting of “no mythical devotion, deny the holy whore, spreading damnation, we set hellfire at this torch” is very engaging and uplifts this thrashier aspect of Sepulchral Whore's death metal. The only time that Sepulchral Whore turns down its hellacious hedonism is in the instrumental “Rotten Wings of Creation” where the airy sound of Iron Maiden's “The Clansman” meets a medieval Iberian theme to create a sinister tone within an apocalyptic soundscape. It's easy to hear the Iron Maiden bass flourishes rising to the top of this song as this diversion from the band's norm seems to lay some groundwork for an engrossing evolution in this band's future.

The personality expressed through “Everlasting Morbid Delights”, and its almost giddy reach to profane anything presenting propriety, makes this an invigorating and refreshing first EP from a band with great potential and solid preparation that seems to take its time getting things right before heading into the studio. Having started in 2015 and only just releasing its first album in May of 2017, Sepulchral Whore seems set to secure a solid spot in many a death metal fan's music rotation and to keep the oldschool sound alive and well. (Five_Nails)

Una death metal band nuova di zecca proveniente dal Brasile che suona tra le più violente nel genere: si tratta dei Sepulchral Whore che si abbandonano all'irriverente depravazione dell'Inferno con il loro 'Everlasting Morbid Delights', debut album che rende omaggio ai progenitori di questo stile estremo.

Da nessuna parte i Death sono mai stati cosi vicini come in "Horrifying the Weak", con quella che suona come una versione più lenta del riff contenuto in "Born Dead" estratto da 'Leprosy'. In "In Slumber They Succumb", la band picchia in modo spietato in un vortice meccanico da far rizzare i capelli, offrendo poi una porzione solistica assai originale che allude ai mostri sacri della chitarra. Un sound in stile Morbid Angel in apertura di "Malicious Conflagration", ammicca alle chitarre ribassate e roboanti di 'Covenant', come se echeggiassero in modo crudo e aperto in un'imponente sala, laddove incominciano delle ferali vocals che sembra stiano facendo un discorso ad un esercito blasfemo circa le loro ambizioni di conquista. Con una voce fortemente enfatizzata, le liriche si mostrano talvolta un po' scoordinate tra testi e musica, come quando il vocalist Necrospinal canta "respiriamo l'antagonismo". Nonostante questi rari momenti in cui i nostri sembrano vacillare, il bombastico canto di "nessuna mitica devozione, nega la santa puttana, diffondi la dannazione, mettiamo il fuoco infernale a questa torcia" si rivela invece assai coinvolgente evidenziando l'aspetto più spietato del death metal dei Sepulchral Whore. L'unica volta che i Sepulchral Whore virano dal loro edonismo infernale è nella strumentale "Rotten Wings of Creation", dove il sound arioso di "The Clansman" degli Iron Maiden incontra una melodia iberica medievale a creare un tono sinistro all'interno di un paesaggio sonoro apocalittico. È facile sentire nei pezzi il basso in stile Iron Maiden che si eleva sul brano, e questa deviazione dallo stile del gruppo sembra porre le fondamenta per un'evidente evoluzione nel futuro della band. 
La personalità espressa attraverso 'Everlasting Morbid Delights' abbinata a quell'irriverenza di fondo che caratterizza la band brasiliana, rendono questo primo EP sicuramente dotato di una certe ventata di novità ed energia, che sottolinea la prestazione di una band dotata di un grande potenziale e di una solida preparazione tecnica, una band che sembra peraltro necessiti di prendersi tutto il tempo necessario prima di tornare in studio. Con le registrazioni iniziate nel 2015 e la release del primo album solo nel maggio del 2017, i Sepulchral Whore sembrano destinati ad assicurarsi un solido posto nelle rotazioni musicali di molti fan mantenendo vivo e vegeto il sound della vecchia scuola death metal. (Five_Nails - free translation by Francesco Scarci)

martedì 18 luglio 2017

Khazaddum - Plagues Upon Arda

#FOR FANS OF: Techno Death, Nile, Morbid Angel
“The Halls of Khazad-Dum” echo with war drums and swell with petulant, diminutive creatures whose bellies protrude from overindulgence and whose culture has an unquenchable thirst for beer and spilled blood. Clad in shining regalia and wielding weapons of the iron they mine beneath the Misty Mountains, the dwarves of Middle Earth are a battle-born race whose women look like men and whose men look like pocket-sized viking warriors.

From the opening of 'Plagues Upon Arda' it is already apparent that this album is thick with blasts and takes a sarcophagial Nilotic approach as measures range from growls and raging percussion to shrill vocals and long ringing solos, emanating as though transcribed from ancient calls to hack and slash. Khazaddum is a very energetic death metal band with a focused and straightforward sound, as though organized by the foreman ordering striking pickaxes and the architect designing gigantic monuments to great warriors. Exploring Tolkien's 'Lord of the Rings' lore through the eyes of the mountain-dwelling dwarves, this band has a goofy gimmick with a strong musical backing that seems to only intersect within the lyrics while much of the rest of the sound finds itself not embracing the theme, but basking in the African river's current. The theme and delivery come closest to joining in “Lord of Isengard” and “Legion of the White Hand” where the riffs are nearly identical but the frenzy of Saruman's minions stands apart from the larger, more imperial sound of the sorcerer's own anthem. This somewhat lacking intersection is the main flaw in 'Plagues Upon Arda' where in nine songs there are more samey moments that seem set to fill time rather than keep the listener guessing or the album replayable, especially in comparison to the personality expressed in Khazaddum's debut EP, “In Dwarven Halls”.

There are some fun moments throughout these forty minutes. The sawing opening to “The Fell Rider's Scourge” gets hammered by a litany of cymbals and snare, the galloping churn of a metal steed rides you to soloing nirvana in “Masters of the Plains”, and the operatic crescendo of “The Black hand of Gorthaur” finally hits the epic and powerful mixture of the ancient and new that the band had been unlikely to reach throughout the album. On the whole though, the music does not seem to share the same wavelength as the theme and has trouble weaving the legendary tapestries of its narrative namesake despite the reams of material from which the band may capitalize. This is the main fault in Khazaddum. These musicians are clearly adept at their craft, driven and focused on creating in a very demanding and intense style, but the creativity is lacking in places that could see this group building another step upward rather than standing in the same place as the band that it clearly styles itself after. Nile gives a larger presence to its theme throughout its storied discography, and that thematic presence is rarely reflected throughout Khazaddum's first full-length.

Khazaddum is a competent band but this dwarf-themed death metal sounds too close to its idol to really give this album a unique kick. The gimmick is unfortunately in merely the lyrics as this band plays a mirage of Nile riffs to Glen Benton's gutturals and backs it with a mountain of drumming. Altogether Khazaddum is your average extreme metal group with a few standout moments that is at a common creative confluence in its career, choosing whether to propel itself into greatness or to stagnate and call this album its peak. 'Plagues Upon Arda' is an adequate death metal offering but, like the theme, the presentation only jumps out at its audience on paper while the music remains par for the course. (Five_Nails)

(Self - 2017)
Score: 65

lunedì 17 luglio 2017

124C41+ - Ode

#PER CHI AMA: Ambient/Noise
Riprendo laddove lasciai nel giugno del 2016, quando raccontai della mia esperienza sonica nell'ascoltare 'Mörs/Ërde', secondo EP degli Umbri 124C41+. È uscito un nuovo lavoro, 'Ode', non so neppure sia giusto considerarlo un full length vista l'esigua durata (per un Lp) di 24 minuti, ma con questi ragazzi sarebbe meglio non stupirsi di nulla, nemmeno del contenuto di questa monotraccia che prosegue il minimalismo sonoro intrapreso dall'act di Terni. Per ciò che concerne le suggestioni visive indotte dai nostri, non possono far altro che traslarmi con la mente in una navicella ai margini del nostro sistema planetario, in un profondo siderale in cui è improbabile addirittura vedere la luce del Sole. E li, tutto quello che si sente è il vento cosmico perpetrato nelle note iniziali del disco che vibra sulla struttura metallica della mia astronave. Poi nient'altro che l'abisso di un silenzio, che scava nell'anima, riportandomi la visione e le sensazioni vissute attraverso due film fantascientifici, 'Interstellar' e 'Gravity'. La musica, se tale si può definire, è dilatazione pura spazio-temporale attraverso riverberi, ambientazioni glaciali, stati di inquietudine indotti dal suono asciugato di una nota di sintetizzatore. Frustrazione, scoramento e delirio, per il dilaniante verso del silenzio e poi un'elettricità che divampa attraverso una ritmica lenta e pesante, che sembra mimare l'accensione dei motori della mia astronave, il che mi dà ancora quella flebile speranza di far ritorno a casa e abbandonare quel desolante angolo di universo. La strada sarà assai lunga, ma la consapevolezza di una fine imminente ha ormai lasciato posto alla confidenza di farcela e tornare a rivedere la luce del Sole. Mi sveglio, sono sudato per quella che è stata la mia personale esperienza onirica tracciata dall'ascolto di 'Ode', un'esperienza in realtà totalmente sconnessa da quanto delineato invece nell'essenziale booklet interno del cd che passa attraverso sette passi, che non ho voluto leggere appositamente per non lasciarmi influenza, ma che alla fine non sarei stato nemmeno in grado di spiegarvi. Ho ascoltato 'Ode', ho fatto il mio personale viaggio, perché non provare il vostro? Potrebbe essere un'esperienza sensoriale unica... (Francesco Scarci)

(Dreamingorilla Records/È Un Brutto Posto Dove Vivere/Insonnia Lunare Records/Astio Collettivo - 2017)
Voto: 75


domenica 16 luglio 2017

Deity - S/t

#FOR FANS OF: Death/Thrash
A Canadian outfit that has patched all its influences onto its sleeve, Deity boils down a broad cast of characteristics into a concentrated reduction of recognizable and reminiscent riffs. This basic death metal album is a display of talent and its take on a by-the-numbers full-length that unfortunately misses the mark. Even with the addition of the well-known Flo Mounier of Cryptopsy fame, this band seems more interested in presenting more of the same rather than setting itself apart from the pack, resulting in a generic and unfulfilling full-length that will keep you thinking, 'I've heard this all before'.

From the Cannibal Corpse opening to “Beginning of Extinction”, which eventually drowns in the sludge of an Acacia Strain breakdown, to the safe sounding Cryptopsy in a cradle “Sacrificium”, Deity's death metal is a patchwork of emulation that, like a paper thin blanket in February, nominally covers its area without much in the way of substance. Where it does cover is itchy with heartless stitching, noisy from the nearly plastic fabric, and mass-produced without a care for leaving any instance of uniqueness. This isn't to say that the musicians themselves are bad, merely their songwriting is. Deity is a band with all the right ingredients but still comes off as contrived, dollar store death metal muzak and just barely escapes the implications of the word 'plagiarism'. If death metal bands came together to celebrate little Chuckie's birthday, bouncy house and all, Deity would be the gaggle of little ones playing house, acting like mommy and daddy do, while the parents swill beer and keep the other kids from falling into the pool.

Try as I might, I can't seem to enjoy this album. There are too many plastic parts, easily interchangeable and obviously shoehorned into an album that plays without passion and instead points out and yells the name of every one of its obvious influences as though telling its audience, “see, we have all of these things, now give us money.” Just because you have the materials it doesn't mean you have the house. Though the band's music is effortlessly talented, it sounds passionlessly phony and predictable, like how “Rituals” manages to be the shortest song on the album and the longest slog imaginable with its inability to go anywhere despite screaming solos through the song. Hampered by too few ideas and even fewer original thoughts, despite this album somehow being 'fifteen years in the making', Deity is an almost totally superfluous addition to the genre. It's hard not to be underwhelmed when this band comes off as so jaded that they know exactly how to make hits and it's everyone else's fault that this tepid series of samples isn't selling. Like the generic mirrored logo, this band is all style with no sense, all show without substance, and shows just how commercialized and formulaic death metal can be without the draw of personality.

There are a couple of redeeming qualities to this experience. The instrumentals “From Which We Came, We Now Return” and “In Time” sound clean and crisp with the former being a memorable and energetic romp that features plenty of interesting soloing and the latter, a mix of acoustic Zeppelin and Metallica moments that create an intriguing folk rock accompaniment to any role-playing game. Flo Mournier's drumming shines on the former, galloping alongside a Maidenesque locomotion of trilling guitars. Finally, there is glory to behold in this album and the nine minutes of “From Which We Came, We Now Return” pass by like a dream. This is what Deity would sound like if it made its own music, and it is actually very good. Hemmed in between such dross, these tracks receive a major disservice from their unusual placement in an album that could easily be mistaken for a parody of death metal.

I was wondering why a new album featuring Flo Mounier's drumming would pass completely unnoticed by the death metal community, but there's a reason for this unhappy happenstance. Deity is drivel for the most part with a slight silver lining, as though a glint of sunlight deflected off a water droplet leaking from an old filthy faucet in a silent kitchen where you have dinner alone on a Tuesday evening. Rather than cook up something unique, Deity has taken the time in this first album to demonstrate its ability to take the heat and produce something barely passable with quality ingredients and a keen knowledge of timing, all the elements of a talented amateur stepping too far out of his element. Like the million different takes on any basic dish, it's interesting to explore the possibilities of where you can remix everyone else's sound, but like the casserole at Thanksgiving dinner, this album will go uneaten for the flavorless mush it is. (Five_Nails)

(Self - 2017)
Score: 55


New Disorder - Deception

#PER CHI AMA: Alternative Rock
La fuorviante taitoltrac "Disorder" in apertura, vi collocherà mentalmente dalle parti di un certo melodic nu-metal old-school feat. clean vs. scream più orsacchiottosi interludi growl appiccicati con l'uhu, ma mentre ve la svignate a gambe levate, percepirete la piacevole sensazione tipo di essere inseguiti da un pitbull, mentre ascoltate in cuffia un pezzo degli Hardline (uh, anche la conclusiva "A Senseless Tragedy", in un certo senso). Subito dopo, rutilanti riff death-alley-rainbow con tanto di innesti tukutuku-power ("Love Kills Anyway", eh già) e barra o repentini no-funk-gnagnagna (con tanto di "Tarjanata" conclusiva in "Straight to the Pain", già apparsa insieme ad altre sette tracce, nell'album precedente). Nel prosieguo, i suoni rimangono scolasticamente compressi, come si conviene sì, ma sottocutaneamente Frontiers-oriented, classici, rassicuranti, metallosi e trasparenti, come la custodia di un cd dei Talisman. Ci si diverte, l'avreste detto? Ci si diverte sul serio, soprattutto quando si system-of-a-gigioneggia (in "Never Too Late to Die"). Datemi retta: ascoltate questo disco, e poi riascoltatelo ancora. Perché a voi quel metal nu-riverente anniduemila incessantemente trainato dal zigzagante ma perentorio T' (ti-apostrofo) di grancassa, non lo ammettereste mai, ma vi piace un casino. Mi sbaglio forse? (Alberto Calorosi)

(Agoge Records - 2017)
Voto: 65


Quick & Dirty - Falling Down

#PER CHI AMA: Stoner Rock
Nel saltellante esordio à-la-Madness 'Falling Down', sospinto da un terribile videoclip fluo-finto-live scimmiottante "Numb" degli U2, sono riassunti, se non i suoni, perlomeno gli intenti fart-glam contenuti nel primo EP della band francese il cui nome allude all'approccio squisitamente parigino al concetto di doccia. Venendo ai suoni, invece, il testavuota-glam finisce per prevalere nella Ki(a)ss-sosa "Would You Like to Dance?" in chiusura, dotata invero di un chitarrismo piùccherobusto. Scorribande extraurbane social-distorte nella gradevole "I Was Born"; in "East West", invece, un riff rock-blues di matrice stoniana introduce ad un cantato collocabile all'incrocio tra Iggy Pop Alley e Jon Spencer Avenue, però opportunamente condito da gradevoli guitar-crudité zeppeliniane. Alchimie consolidate, produzione adeguata e, ovunque, una energia genuina e irriverente, senz'altro ampiamente replicata in quella dimensione live di cui il booklet dell'album intende evidentemente farsi testimonianza. Ascoltatelo a tutto volume durante una doccia clandestina con la vostra baby-sitter. (Alberto Calorosi)

venerdì 14 luglio 2017

Wastes - Into The Void Of Human Vacuity

#PER CHI AMA: Funeral Doom, Skepticism
Il caldo estivo non fa proprio rima con il funeral doom, genere tipicamente novembrino. Tuttavia, i franco-belgi Wastes se ne fregano delle stagioni, rilasciando lo scorso giugno il loro debut album, 'Into The Void Of Human Vacuity', un disco che ci fa piombare da una torrida giornata di calura estiva direttamente nella più brumosa delle giornate autunnali. Non lasciamoci ingannare dal fatto che questo sia un album d'esordio, tra le fila dei Wastes si nascondono membri di Ataraxie, Mourning Dawn, Funeralium e Pantheism, gente insomma che calca la scena già da una quindicina d'anni almeno, in territori più o meno dooooom, di quello con parecchie "o" per capirci. E tutto ciò si traduce in un claustrofobico lavoro, fottutamente funereo e claustrofobico e in questi sette pezzi rilasciati dalla Code666. Solitamente parto dai punti di forza di un album, quest'oggi invece darei una bella tirata di orecchie a quelli che hanno registrato un disco mettendo due secondi di pausa tra un brano e il successivo, rompendo cosi il flusso cataclismatico che s'instaura all'ascolto di ogni song. Detto questo, che penalizzerà la mia valutazione di fondo, e sorvolando sull'intro del cd, mi concentro sulla seconda "Pt. 2" che sottolinea come ritmiche a rallentatore, raggelanti voci cavernose ed atmosfere orrorifiche, caratterizzino il sound della compagine d'oltralpe, seguendo pedissequamente i dettami voluti da un genere costantemente sulla cresta dell'onda. La terza parte prosegue il flusso apocalittico eretto dai nostri che continuano a tessere melodie deviate, condite da ambientazioni glaciali nel classico incedere magmatico e soffocante, di quello in grado di attanagliare la gola e raggelare il sangue nelle vene, inducendo un pericoloso senso di oppressione e paranoia. Echi di Esoteric e Skepticism emergono forti dalle note di un album sicuramente di difficile ascolto, non lo nego, ma che certo avrà modo di entusiasmare i più incalliti fan della scena funeral doom. Vorrei segnalare infine "Pt. 6", song mostruosa per intensità sonora che (ir)rompe con il routinario sound rallentato delle precedenti tracce, mostrando il lato più death oriented della band, con una scarica detonante di batteria e chitarre ronzanti, quasi un mostro a cavallo tra il post black e la ferocia dei primi Entombed. Il tutto è poi affidato a suoni idiosincratici che introducono all'ultima spaventosa marcia funebre che chiude un album capace di intorpidire non poco i sensi. C'è poco altro da evidenziare in un disco che fa della lentezza estrema, della pesantezza del proprio rifferama, e di una certa ridondanza e riverbero nei giri di chitarra, i suoi capisaldi. Mi preme tuttavia sottolineare un'ultima cosa, ossia la capacità, in un po' tutti i brani, di deliziarci con psicotici assoli, peccato siano un po' troppo relegati in secondo piano, se solo avessero avuto un po' più "volume", avrebbero di certo dato un'ulteriore spinta ad un album comunque buono. (Francesco Scarci)

giovedì 13 luglio 2017

Necandi Homines - Da'at

#PER CHI AMA: Esoteric Black Doom
Una lunghissima intro in stile Myrkur ("Memento" dura infatti oltre otto minuti) apre il disco dei Necandi Homines, oscuro quartetto marchigiano, formatosi addirittura nel 2007, dedito ad una forma introspettiva di black doom. 'Da'at' è il disco d'esordio per i quattro ragazzi di Jesi, nelle cui fila si nascondono anche membri dei ben più affermati Infernal Angels. Il disco, dopo il noise cibernetico iniziale che mostra il classico dualismo vocale, etereo e malvagio, non sembra decollare neppure con la seconda "The Faceless Sculpture", traccia ancor più pacata e sinistra della opening track, con pochi arpeggi relegati in sottofondo ad un'atmosfera angosciante che prelude a qualcosa di brutto, pronto da li a poco ad accadere. E finalmente l'elettricità e la rabbia divampano in un sound caliginoso, compassato e decadente, fatto di un lento ed ipnotico riffing, contrappuntato dalle classiche arcigne screaming vocals. Sono ancora disturbanti e lugubri ambientazioni poi a prendersi la scena, in uno scorcio apocalittico che prosegue anche nella successiva "The Fifth Dimension", una sorta di colonna sonora per un film come Blade Runner. È infatti un'altra atmosfera tremendamente cupa e minacciosa a contraddistinguere quella che pare piuttosto essere un interludio strumentale per la quarta "Desolation of the Ocean After the Storm" ed i suoi riverberi iniziali di chitarra, spezzati da un marcescente cantato che dona una fisionomia più tangibile al brano, ed in generale, ad un album che a più riprese sembra essere in grado di generare stati di ansia e delirio. Si arriva all'ultimo infinito baluardo da superare, gli oltre 17 minuti di "Through Deep Waters", una canzone che parte se possibile, ancor più minacciosa e desolante delle precedenti, con l'utilizzo di chitarra e basso che mi hanno ricordato un inimmaginabile ibrido tra i Laetitia in Holocaust e i Massive Attack. La musica esplode finalmente in un'onda black che fino a questo momento è parsa confinata in seno ai quattro demoni italici. Ma le sorprese non sono affatto finite, perché quel black lascerà il campo ad un suono elegiaco, liturgico, tribale, esoterico, fate voi, a seconda di quello che esso sia in grado di trasmettervi, con tanto di voci corali capaci di confondere ulteriormente i sensi. La comparsa di un'inedita voce femminile amplifica poi il mio status umorale alterato, il suo contrapporsi allo screaming ferale di Discissus, ripristina lo status quo, in un agghiacciante finale strumentale che esalta la prima notevole fatica dei Necandi Homines, una straordinaria sorpresa con cui passare una torrida estate di paura. (Francesco Scarci)

(Vacula Productions - 2017)
Voto: 75


mercoledì 12 luglio 2017

Disharmony - Goddamn the Sun

#PER CHI AMA: Hellenic Death Black Metal, Rotting Christ
Ricordo perfettamente quei primissimi anni '90 e il fermento musicale che c'era in Grecia: sul mercato europeo si affacciavano i Rotting Christ e i Zemial con i loro rispettivi EP di debutto, 'Passage to Arcturo' e 'Sleeping Under Tartarus'. Varathron, Thou Art Lord, Septic Flesh e Necromantia muovevano i primi passi attraverso demo e split album, mentre il sottoscritto cercava tapes di band underground quali Dion Fortune e Disharmony. Non sembra essere cambiato nulla da quegli anni, nemmeno musicalmente, il sound ellenico non ha mutato la propria pelle, mantenendosi fedele al proprio stile. A distanza di 27 anni dalla loro fondazione, arriva anche il debut fin troppo agognato dei Disharmony, 'Goddamn the Sun', che mantiene intatto quel magico sound nato quasi tre decadi fa. Sebbene l'intro "Invocation - Troops of Angels" soffra di qualche reminiscenza gotica dei Cradle of Filth di 'The Principle of Evil Made Flesh', risulteranno poi palesi i punti di contatto di "The Gates of Elthon" con i primi Rotting Christ, in un death black ammantato di un mistico alone e che vede punti di contatto con la band di Sakis e compagni, anche nel modo di cantare di Damien King III, l'unico superstite della formazione originale, e nelle ritmiche incentrate su un riffing scarno e su di una tribalità di fondo. "Elochim" è un gran bel pezzo che si muove su di una ritmica a cavallo tra thrash e black, e che a livello solistico, strizza l'occhio al classico heavy metal degli anni '80, questo per ricordare ai fan dove risiedano le origini dei nostri, dimostrato peraltro anche da un sound non propriamente pulito, ma che serve a ristabilire quel mood primordiale che si ritrovava nei loro demotapes. E in "Summon the Legions" sono palesi non solo i riferimenti musicali ad un death black thrash che richiama anche i primissimi Bathory, ma anche lirici, con l'invocazione a tutti gli angeli caduti, Azazel, Samael e Satana. Il disco prosegue piacevolmente in questa direzione con pezzi che mostrano il classico sound ellenico, fortunatamente riservando anche qualche sorpresa ad un tema che rischierebbe di risultare poi davvero scontato: in "War in Heaven" ecco apparire una strana e flebile voce femminile a fare da contraltare al growling del frontman greco. "Rape the Sun" ha un andamento decisamente più lento, quasi doom; però la song, per quanto goda di buoni arrangiamenti a livelli di keys, non è decisamente una delle migliori cose uscite dalla discografia dei Disharmony, che tornano a convincere maggiormente con "Whore of Babylon", un pezzo più breve, decisamente melodico e carico di pathos, cosi come la tradizione ellenica pretende e tra l'altro sciorinando un bell'assolo conclusivo. Ci avviamo verso la conclusione del disco e rimangono da ascoltare "The Voice Divine" e "Third Resurrection": il primo è un normalissimo pezzo black thrash, che non aggiunge granché a quanto detto sinora, anzi rimane sottotono rispetto agli altri brani del disco. Il secondo invece, mostra il lato più epico e magico dei Disharmony che ci riconduce per l'ultima volta a quei primissimi anni '90, quando sarebbe stato più giusto che 'Goddamn the Sun' uscisse, per meritare l'attenzione che realmente meriterebbe oggi. Ora, mi sa che è fuori tempo massimo e farà la gioia probabilmente solo dei vecchi nostalgici di quel mistico e mitico hellenic sound che per molti anni ha rappresentato la culla di un genere unico ed inimitabile. (Francesco Scarci)

(Iron Bonehead Productions - 2017)
Voto: 70


martedì 11 luglio 2017

Tenax - S/t

#PER CHI AMA: Rock'n Roll
This is rock'n roll... il riffing iniziale di "Gogna" potrebbe essere l'emblema dell'hard rock italico. Tuttavia, quando i nostri cominciano a cantare sulle graffianti linee di chitarra, ecco che nella mia mente si rincorrono diversi paragoni che mi portano ad affermare pericolosamente che il frontman mi ricorda un ipotetico ibrido tra Ligabue e Piero Pelù. Chiaro, non proprio il mio genere penseranno alcuni di voi, però non male ogni tanto abbandonarsi ad un sound più leggero, ove capire i testi (rigorosamente in italiano) e ritrovarsi a cantare il chorus del brano "No, io non ci sto nel gioco perverso della gogna mediatica", rivolto polemicamente (e con tutto il mio appoggio) ai talent show musicali. Gli ingredienti dell'hard rock ci sono tutti, quindi inutile stare qui a raccontarvi come suoni il genere dopo quasi 50 anni di storia. Meglio soffermarsi su altri particolari: al blues rock della seconda "Club 27" ad esempio, una song che ha richiami nascosti ai Doors di "Break on Through (to the other side)" e narra ovviamente di quegli artisti maledetti che in un modo o nell'altro, hanno perso le loro preziose vite a 27 anni. "Virtual Love" si affida ad un giro di chitarra molto classico, a delle vocals e a dei testi suadenti. Il brano però sembra non decollare e francamente preferisco skippare avanti sperando in un qualcosa di più movimentato. Vengo prontamente accontentato da "Vivo Libero", ultima traccia di questo breve EP, un'altra song di sicuro divertente da apprezzare dal vivo, energica e appassionata, che sancisce lo sconfinato amore dei nostri nei confronti del rock immortale. (Francesco Scarci)

((R)esisto - 2017)
Voto: 65


Infinitas - Civitas Interitus

#PER CHI AMA: Epic/Folk/Power
Dal cuore della Svizzera, ecco arrivare il folk-metal degli Infinitas, band nata otto anni fa, ma che solo in questo 2017, riesce ad esordire sulla lunga distanza con questo 'Civitas Interitus', dopo aver rilasciato un EP nel 2015. Ebbene, inizierei col dire che i suoni del quintetto proveniente da Muotathal, possono sembrare abbastanza fuorvianti all'inizio, almeno fino a quando i nostri non mostrano una certa coerenza musicale. Tralasciando l'intro in svizzero tedesco, non posso che rimanere ammaliato da quello che sembra il canto di una sirena collocato sopra una chitarra acustica. Da li a un minuto, rimango invece impietrito di fronte ad un micidiale attacco death/thrash, quello della tonante "Alastor", che ci presenta immediatamente le qualità dietro al microfono della procace Andrea, che si presenta con una voce che varia tra l'urlato, un rarissimo growl e una voce più pulita che si accompagna con un rifferama ora decisamente più orientato all'heavy metal, anche nel pseudo assolo conclusivo. Strano constatare come la song, ma è applicabile comunque per l'intero disco, mostri più facce della stessa medaglia all'interno di uno stesso brano, con la convivenza di più umori e generi. Con "Samael" fa la sua comparsa anche un violino, una voce maschile si accompagna a quella della frontwoman, cosi come cori ben più carichi di groove e melodia, e un riffing che persiste nel ringhiare in territori thrash metal viene smorzato dal folk dei nostri che si fa sempre più arroventato. "Labartu" è un pezzo che parte assai compassato instillando inizialmente un'atmosfera quasi bucolica che ci porta lontano con la mente, in terre incantate su montagne verdi, forse proprio quelle del Cantone Svitto, da cui la band proviene. Nella seconda parte, decisamente più ritmata, possiamo apprezzare nuovamente la performance vocale della brava vocalist, il rullare di una tempestosa batteria e una specie di assolo di basso, tutti elementi che rendono la song parecchio interessante, seppur pecchi un po' in prolissità. "Aku Aku" è un oscuro pezzo strumentale che spezza il ritmo incessante instaurato fin qui dal combo elvetico e che ci introduce alla seconda parte del disco, quella che inizia con la accattivante "Skylla", pezzo meno tirato rispetto ai precedenti, quello che potrebbe anche scalare le classifiche per una vena pop insita nelle sue note, che vedono una versione più equilibrata di Andrea alle vocals. Con "Rudra" si torna a viaggiare sulle velocità heavy fin qui prodotte, con qualche backing vocals che fa capolino qua e là, opera del drummer. La song mantiene intatto il suo spirito folklorico in un incedere che continua a preservare qualche traccia di thrash metal, che si conserverà anche nella successiva "Morrigan", in cui la cantante, per qualche istante, si lancerà addirittura in un cantato lirico. Ancora il violino ad aprire "Amon", un'altra song dal rifferama compatto e veloce che per alcuni versi mi ha evocato anche un che dei Running Wild, e che propone un bel break centrale. Arriviamo al lungo finale affidato a "A New Hope", oltre tredici minuti aperti da uno spoken word in lingua germanica, poi eteree melodie e angeliche vocals che, insieme al suono del mare, dischiuderanno l'ultima sorpresa, un'arrembante ghost track che chiude un disco solido, piacevole e indirizzato soprattutto agli amanti di heavy/power/epic/folk, ma anche ai fan più aperti di thrash e death metal. (Francesco Scarci)

lunedì 10 luglio 2017

Abigail’s Mercy - Salvation

#PER CHI AMA: Gothic Rock, primi Lacuna Coil
Uscita non certo brillante quella dei britannici Abigail’s Mercy, esponenti di un certo gothic rock “vecchia scuola” non proprio fenomenale, sebbene le qualità tecniche e compositive del quartetto di Birmingham non si discutano. Innanzitutto, i nostri dovrebbero far chiarezza su cosa suonare: proporre un sound più robusto affinché non suoni troppo scialbo e molle, con quei suoi passaggi che rasentano il pop rock, e allo stesso tempo, utilizzare la voce di Steve che in alcuni gorgheggi ricorda quella di L.G. Petrov degli Entombed. In taluni momenti, il combo inglese ricorda i Paragon of Beauty o i nostrani Lacuna Coil, mentre in altri, chiari sono i riferimenti al punk rock anni ’80 (Billy Idol in primis, basti ascoltare “Keep Me Coming”). Appurato questo, andrebbero fatte alcune correzioni all’interno della line-up: per prima cosa si dovrebbe scegliere una cantante femminile adeguata per sostituire la penosa Lindsay oppure forse meglio lasciar cantare esclusivamente Steve, a cui manca comunque una certa dose di personalità. Alla fine, probabilmente, riuscirei anche ad apprezzare il cd, senza farlo arrivare necessariamente sul patibolo; e dire che alcuni brani di 'Salvation' non sarebbero neppure da buttare nella pattumiera, anche se non stroncare il debut del quintetto albionico mi viene assai difficile. Gli Abigail’s Mercy hanno concepito un album sottotono, che sicuramente avrà diviso la critica in detrattori e ammiratori. E io mi son schierato decisamente con i primi, in attesa che la band faccia maggior chiarezza sul come suonare... (Francesco Scarci)

(Casket Music - 2005)
Voto: 50


giovedì 6 luglio 2017

Krowos - Verbum Luciferi

#PER CHI AMA: Black, primi Rotting Christ
Secondo album per i blacksters siciliani Krowos, dopo il debut 'Enthroning Our End', ormai datato 2013. Certo, i catanesi non sono rimasti con le mani in mano in tutto questo tempo e dopo aver fatto uscire tre split album, tornano con questo inno di estremismo sonoro edito dalla Nigredo Records, intitolato 'Verbum Luciferi'. Cosa aspettarsi? Credo che la proposta musicale sia insita nel titolo dell'album, black metal è chiaro. Tuttavia non etichetterei cosi facilmente la proposta del quintetto siculo, in quanto nelle linee melodiche della title track, nonché opener del disco, si celano influenze tipicamente mediterranee che si traducono in cori epici e assai melodici che sparigliano le carte e le idee che mi ero inizialmente fatto dei nostri. Chiaro che l'approccio è quello tipico del black, cosi come certificato anche dalla seconda "Infamia in Excelsis", un attacco frontale ferale e senza pietà sferrato da perfidi adoratori di Satana, che tuttavia stupiscono per quei break acustici o quel cantato pulito che si colloca tra i diabolici vocalizzi in screaming di Tsade e che contribuiscono nel donare un che di esoterico al lavoro in sé. Un riffing sghembo apre "Vangelo", che vede un contrasto a livello vocale tra la voce efferata del frontman e un cantato più liturgico e celebrativo, in quello che sembra essere più un sinistro rituale esoterico. Il caos torna sovrano nelle arrembanti ritmiche di "Malignus": fortunatamente il cantato corale smorza le tensioni generate dalle violente ritmiche dei nostri che senza i frangenti più melodici, finirebbero per essere una delle tante inutili band estreme che popolano un underground sempre più saturo. Eppure, i Krowos hanno trovato una formula che a me piace parecchio e che trova forme primigenie nei primissimi In Tormentata Quiete, negli Inchiuvatu, citando anche gli albori degli Ecnephias e spostandoci un po' più in là, nei primi Rotting Christ, Varathron e altre realtà della scena estrema ellenica. Convincenti, devo ammetterlo, mescolare il black più ferale e caustico, con le melodie della scena mediterranea, il doom ("Credo") e una certa coralità assai evocativa, non è mai cosa semplice. L'ultima tappa di questo verbo di Lucifero è affidata a "Offertorio", ultimo tributo dei Krowos al signore della luce, attraverso ottime melodie, un egregio lavoro al basso, e gli immancabili cori, vero punto di forza di 'Verbum Luciferi', album che mostra sicuramente l'irriverente personalità della band siciliana che, lavorando sodo ed eliminando qualche asperità dal proprio sound, potrebbe anche raggiungere vette insperate di notorietà. (Francesco Scarci)

(Nigredo Records - 2017)
Voto: 75


mercoledì 5 luglio 2017

A Total Wall - Delivery

#PER CHI AMA: Djent/Math, Meshuggah
Dopo tre EP all'attivo, era giusto che arrivasse anche il debutto sulla lunga distanza dei milanesi A Total Wall. È uscito cosi 'Delivery', lavoro che assegna l'ostico compito ai nostri di rispondere ai gods mondiali nell'ambito del djent, con quel suono caratterizzato dall'ampio uso delle poliritmie, per intenderci in stile Meshuggah e chitarre downtuned. Fatta una breve cronistoria di un genere che ha avuto la sua esplosione nel biennio 2010-2012 e che poi si è un po' ridimensionato, veniamo alla band di oggi, gli A Total Wall appunto, un muro totale come quello innalzato dalle chitarre a nove corde dell'axe man Umberto Chiroli. Per capirci ulteriormente su cosa aspettarsi sparato nei nostri timpani, immaginante il rifferama pesante e sincopato dei Meshuggah, contrappuntato da un dualismo vocale fra un growling schizofrenico e un pulito a tratti poco convincente. Le linee di chitarra della opener "Reproaching Methodologies" non solo risentono dell'influenza dei master svedesi, ma mi pare di scorgere anche palesi influenze math, in un sound decisamente nevrotico e claustrofobico. Attenzione a non aspettarvi una musicalità comparabile a quella dei Tesseract, molto più accessibili e melodici, gli A Total Wall in "Evolve" sapranno come farvi sbiellare il cervello con il loro rifferama contorto e nervoso, ma pur sempre carico di groove. Non male la sezione solistica anche se troppo ermetica e breve nei suoi lisergici stacchi visionari che ne rendono ostico l'approccio. I toni si fanno più scuri nella terza "Sudden", ma è prettamente una questione legata all'atmosfera che si respira durante il suo ascolto, curata dai synth di Davide Bertolini, anche se la ritmica qui è decisamente più controllata e i nostri cercano qualche effetto addizionale per cercare di non risultare troppo didattici nel loro assalto sonoro; utile a tal proposito un paio di break ambientali nel corso del brano. Il riffing magmatico, ossessivo e tipicamente meshugghiano torna in "Maintenance" che verrà ricordata dai posteri più che altro per la stonatura del vocalist nella sua versione pulita. Passo avanti e mi faccio investire dalla feroce "Lossy", che mantiene intatta l'architettura sonica dei nostri (attenzione ad abusarne eccessivamente), cercando di mitigarne la prolissità ritmica nuovamente con l'utilizzo dei synth, rallentamenti vari ed un break davvero indovinato a metà brano (questa si che è la strada giusta). Ottima sicuramente la performance dei singoli, per cui sottolineerei il lavoro al basso di Riccardo Maffioli. Nel frattempo si giunge a "The Right Question" e a delle ambientazioni nuovamente oscure e rarefatte che preludono ad una ripartenza schizoide cosi come era stato per la opening track. Il vocalist qui sperimenta un cantato cibernetico che i Cynic proposero nel lontano 1991 nel loro inarrivabile 'Focus'. La title track si muove su saliscendi ritmici, in un'alternanza tra repentini cambi di tempo e di voce, qui proposta in una nuova veste. Brillante il break jazzato che ci porta per qualche secondo (troppo poco) in un jazz club di New Orleans. Il disco si chiude con "Pure Brand", ultima traccia di un disco decisamente non facile da affrontare, a causa di una monoliticità di fondo di un genere non propriamente adatto a tutti i palati. Buon inizio comunque, ora è necessario trovare variazioni adeguate al tema, per non scadere nella riproposizione di quanto fatto dai maestri. (Francesco Scarci)

martedì 4 luglio 2017

Antigone Project – Stellar Machine

#PER CHI AMA: Electro/Space Rock, New Order, Depeche Mode, The Mars Volta
La Dooweet Agency ci presenta il nuovo lavoro degli Antigone Project, uscito a maggio di questo caldo 2017. La band parigina, contraddistinta da una spiccata personalità e da idee variegate, giunge al secondo full length dopo una prima prova che si era rivelata già convincente e coinvolgente. Il mix di elettronica e rock presentato dalla band, rappresenta una formula vincente nonostante le evidenti influenze, echi compositivi che sfiorano i confini sonori di band blasonate come New Order, Depeche Mode, The Music, IQ, Antimatter e parte della musica elettronica/industriale alternativa di casa Project Pitchfork e Skinny Puppy. Devo ammettere con gioia che, nonostante la marcata venerazione per queste band, il cd risulta veramente efficace e comunque suona originale e fruibile all'ascolto. "Poison" apre le danze e mi sembra di rivivere il mito del primo album dei The Music, con una superba voce dalle doti eccelse. "Schizopolis" trasuda EBM da tutti i pori e proietta la band in un atmosfera sintetica alla Gary Numan. "III" è una ballata sulfurea giocata tra synth wave ed etereo dream pop. In realtà, l'album è assai vario, caratterizzato com'è da un suono assai compresso e sintetico, anche quando si parla di rock, o di indie trafitto dalla tecnologia, di un pop lacerato dall'elettronica più trasversale, rumorosa e shoegaze come si sente in "Mantra Nebulae". I puristi del suono castigheranno quest'album per la sua sonorità inusuale (che resta comunque una caratteristica fondamentale della band) centrifugata in un low-fi sotterraneo ed astratto. Cosa che al contrario, affascinerà gli ascoltatori più aperti che gioiranno sulle note di "Raphe Nuclei", così immensa nel suo ricordare i giorni più malinconici dei migliori Radiohead. Robotici, glamour, violenti, acidi e danzerecci, gli Antigone Project rivendicano un posto al sole in una fascia di mercato dove pochi osano confrontarsi, proponendo la loro formula originale di musica controcorrente, appassionata e trasversale. Una band geniale che coniuga rock ed elettronica con la stessa affinità progressiva che ha contraddistinto band come i The Mars Volta, grazie a composizioni sonore che meritano grande rispetto, una voce da brivido (eccezionale a tal proposito Frédéric Benmussa) che cavalca tutti i brani dell'album con una maestria tale da far impallidire chiunque, una rivelazione assoluta che con una produzione mainstream rischierebbe di svettare sopra ogni tipo di classifica alternativa mondiale. Perla assoluta. (Bob Stoner)

lunedì 3 luglio 2017

Dirt – Daysleeper

#PER CHI AMA: Crust/Mathcore
Un digipack piuttosto essenziale e “materico” accompagna il cd di questi Dirt, band canadese che di primo acchito non fornisce indizi di sorta sul proprio messaggio musicale. Copertina essenziale, font discreto e nessun rimando grafico a qualsivoglia genere / ambito musicale, fanno da cornice alla proposta musicale della band. Mi appresto quindi ad intraprendere l’ascolto di questo album senza un’idea ben che minima di cosa mi aspetti. L’intro passa liscia all’orecchio, non particolarmente malinconica, né lugubre, né bizzarra...e si passa così al vero e proprio contenuto dell’opera. Bam! entrata a piè pari sui timpani del malcapitato ascoltatore! Appare subito evidente il range, la categoria a cui la band appartiene. Si tratta di una miscela di crust e mathcore, o almeno fa figo oggi giorno chiamarlo così. Stiamo parlando di quel thrash tecnicissimo, iperviolento e freddo, portato in auge nel cuore degli anni '90 dai Meshuggah con quel capolavoro di 'Destroy Erase Improve'. I Dirt denotano una pregevole perizia tecnica, una padronanza degli strumenti innegabile e possono senza dubbio piacere a tutti gli amanti del genere. Io ho ascoltato il cd ripetutamente, lasciandomi pervadere dalla glacialità industriale della loro musica, e cercando nell’album quel “quid” che mi potesse emozionare o rimandare quantomeno a qualcosa di intimo. Ebbene, duole ammetterlo, questo “quid” non è mai giunto. Al di là della parossistica ossessività e del furore post-umano non ho purtroppo trovato alcunché degno di menzione. Ritmiche sghembe, tempi dispari ( mi raccomando eh, MAI e dico MAI un tempo pari adatto ad un sano headbanging!!!) e urla lancinanti procedono senza soluzione di continuità per l’interezza delle tracce presenti. Davvero il cd risulta monocromatico e stantio, sterile e sordo ad ogni coinvolgimento lirico o esistenziale. Agli amanti dei tecnicismi, del freddo mathcore e del heavy-listening questo album potrà anche piacere, la preparazione tecnica dei Dirt è fuori discussione. Per qualcosa di più profondo, coinvolgente ed emotivo...next please! (HeinricH Della Mora)

domenica 2 luglio 2017

Yugal – Chaos and Harmony

#PER CHI AMA: Thrash/Deathcore
Hanno cercato il salto di qualità necessario per farsi notare e ci sono riusciti. La band bretone degli Yugal, sotto le ali protettrici della Dooweet Records e dopo un paio di buoni EP, arriva finalmente al full length in ottima stato di forma, affilando le armi in maniera più che perfetta e aggiustando la mira sul sound ricercato. La scrittura dei brani non varia molto dai precedenti lavori ma qui s'intensificano le belle parti acustiche usate spesso per tagliare l'aria opprimente di un pesantissimo metal dai tratti moderni e di matrice thrash. Il risultato è un convincente miscuglio di chiaroscuri musicali, ben calibrato e progettato a dovere. Un ordigno sonoro carico e pronto ad esplodere, dove le capacità tecniche della band si sentono ma non si sporgono mai ad inutili manierismi virtuosi e dove l'equilibrio tra esotica, mistica, melodia etnica medioorientale e metal estremo è sempre dietro l'angolo, come in "From This Day I Will Rise" che potrebbe essere imparentata con i Sepultura di un tempo rivisitati da un'angolatura etnica diversa, oppure gli Orphaned Land rivisti in salsa e violenza che collima col thrash dei Testament. Il suono di 'Chaos and Harmony' si snoda nervoso e frastagliato lungo l'intero cd, pieno di cambi di direzione e atmosfere pesanti e violente, sfoggiando una batteria stellare e composizioni ricche di particolari venature in territori sonori tutti da scoprire. Dieci brani per qualcosa in più di una mezz'ora di musica compatta ed intelligente, per farci innamorare di una band matura e preparata. L'artwork suggestivo è degno di nota, cosi in perfetta sintonia con la musica della band. Alla conclusiva title track va poi tutta la mia ammirazione per gusto, sensibilità, potenza e aggressività. Yugal, una band sicuramente da tener d'occhio! L'ascolto consigliatissimo! (Bob Stoner)

Afraid of Destiny - Agony

#PER CHI AMA: Depressive Black, primi Katatonia
A marzo lo avevo annunciato che il nuovo album degli Afraid of Destiny sarebbe uscito quest'anno, d'altro canto ce l'aveva confermato lo stesso frontman Adimere durante un'intervista con la band. Eccoci quindi accontentati, 'Agony' è il secondo disco per la band trevigiana, che nel frattempo sembra aver abbandonato il suo status di one man band per divenire un trio. Il processo di stesura dei brani è durato parecchio, se pensate solo che le canzoni sono state scritte tra il 2013 e il 2014 e le voci sono state registrate successivamente, a cavallo tra 2016 e 2017. Insomma tante riflessioni hanno portato a questo nuovo esempio di black depressive, che riprende là dove aveva lasciato con un sound desolante di scuola burzumiana. Quello che balza però subito all'orecchio durante l'ascolto di "A Journey into Nothingness (Part 1)", è un maggior lavoro a livello di arrangiamenti, con il sound molto meno secco e stringato che in passato, sebbene anche qui la produzione si confermi non propriamente bombastica. Le ritmiche sono lente e compassate e lo screaming del frontman è probabilmente la cosa più degna di nota della prima song (esclusa la lunga intro) a cui è collegata la seconda parte, ancor più lenta, carica d'atmosfera e che chiama in causa in un paio di frangenti un che dei Katatonia di 'Dance of December Souls' e dei Novembre di 'Wish I Could Dream it Again...'. La musica è rilassata, decadente, atmosferica e nell'arpeggio iniziale di "Rain, Scars, and the Climb', rievoca nuovamente la band capitolina e non posso che esserne felice, in parecchi si sono dimenticati infatti da dove arrivano Carmelo Orlando e soci. Le linee di chitarra sono malinconiche e nel loro semplice incedere, nascondono una vitalità inaspettata che emerge come lo sbocciare di un fiore in primavera, il tutto dopo un atmosferico break centrale. La musica mi piace, è interessante, carica di significati e induce a pensieri, belli o brutti che siano. È riflessione, poesia, dramma, pace e un'altra moltitudine di sensazioni che si spengono solo con il suono del temporale in sottofondo e che introduce a "Autumn Equinox", song più minimalista ma che vede una guest star alla voce, A. Krieg, vocalist teutonico tra gli altri di Eternity, Darkmoon Warrior e ora anche dei Lugubre. È una song che vede peraltro per la prima volta nel disco, un'accelerazione post black, che comunque trova il suo perché nel contesto disperato del disco. "Hatred Towards Myself" compariva già nel precedente EP omonimo come traccia oscura e paranoica, e forse è quella che ora ha meno a che fare con le rimanenti tracce incluse in quest'album; resta comunque apprezzabile. C'è ancora tempo di ascoltare "Into the Darkness", song dall'approccio vocale iniziale un po' più diverso, ma di cui va apprezzata sicuramente una coralità a livello vocale e di cui sottolineerei ancora una volta il buon lavoro fatto a livello di arrangiamenti, con il sound decisamente più pieno. C'è ancora ampio margine di manovra per migliorare sia chiaro, vista peraltro la presenza di un bell'assolo nella traccia che conferma una maggiore maturità acquisita dall'ensemble veneto. A chiudere il disco ci pensa la cover dei Lifelover, "Sweet Illness of Mine": gli va male agli Afraid of Destiny, visto che non sono mai stato un fan dell'act svedese. Tuttavia, devo ammettere che il brano si mantiene piuttosto fedele all'originale soprattutto per le vocals pulite, mentre non mi fa impazzire la batteria, qui troppo sintetica. Insomma, un gradito ritorno per la compagine di Treviso che è sulla strada giusta per trovare ed affermare la propria personalità e che nel frattempo ha anche avuto modo di piazzare una ghost track finale in acustico, tutta da gustare. (Francesco Scarci)

(Razed Soul Productions - 2017)
Voto: 70


HgM ‎– Sintered Chrome

#PER CHI AMA: Noise/Ambient
Ambient/noise per questa one man band italiana, facente parte della squadra di musicisti estremi e terroristi sonori DIY, che sfilano per la gloriosa Human Cross Records, etichetta bosniaca. L'enigmatico musicista che si cela dietro all'acronimo HgM (in realtà (H)organismo. (G)ravemente. (M)alato), è in realtà Massimiliano Mercurio, che in passato è stato recensore per due importanti webzine. Il mastermind torinese in questo malato 'Sintered Chrome' si esprime in un monolitico attacco sonoro di oltre trenta minuti dai tratti omogenei e dalla voglia di sconvolgere e intorpidire i pensieri degli ascoltatori. Ambient siderurgico e industriale senza la benché minima sorta di percussione, figlio di un connubio tra onde marine scagliate verso di uno scoglio, sentore cosmico ed il rumore odioso di una fabbrica metallurgica udita dall'esterno ed in lontananza. Una continua diramazione dello stesso tema/rumore/ambiente sonoro fa nascere questa suite che per certi aspetti affascina e ammalia con la sua incessante ed oppressiva ripetitività, dall'altra fa nascere il desiderio più acuto di fuggire lontano da tutto ciò che potrebbe essere espresso in questa musica torturatrice se messa in parallelo alle prigioni del nostro essere. In questa mezz'ora o poco più, rischierete di vedervi crollare il mondo addosso, imprecare, riflettere e alla fine impazzire senza nemmeno darvene un motivo. Tutta quest'opera rasenta la follia ma si apre alla geniale ispirazione artistica tout court. L'unica nota negativa va ad un artwork che non dà il giusto supporto al calibro dell'opera, un vero peccato. 'Sintered Chrome': un lavoro esclusivo in sole 30 copie per misantropi intellettuali, rumorosi ed illuminati. (Bob Stoner)

(Human Cross Records - 2017)
Voto: 70


Dead Season - Prophecies

#PER CHI AMA: Thrash/Progressive, Nevermore, Anacrusis
Francia, tanto per cambiare. Questa volta però non siamo al cospetto di una qualche band di black metal avanguardista, visto che i Dead Season propongono un concentrato sonoro che volge il proprio sguardo ad un thrash sicuramente robusto ma dai tratti progressivi. Questo è certificato dall'iniziale "The New Man", apripista del secondo album 'Prophecies'. L'approccio del quintetto di Lille evidenzia immediatamente quanto i nostri siano potenti musicalmente, innalzando un muro sonoro enorme, allo stesso tempo rivelando di essere dotati di una certa vena prog. Da un punto di vista vocale poi c'è un'alternanza tra cantato growl, scream ed uno pulito di "arcturiana" memoria. A livello ritmico, oltre a quello dei chitarroni, è notevole anche il lavoro del bassista e del fantasioso apporto del drummer. Mi aspettavo qualcosa da un punto di vista solistico, ma qui non è pervenuto. I riffoni di "Blood Links Alienations" ci introducono ad una canzone di per sé oscura, che evidenzia ottime melodie di fondo con un lavoro in background delle chitarre davvero maestoso, che tra cambi di tempo, ceselli vari, stop'n go, il tutto viene poi esaltato dalla performance vocale del carismatico leader, a rendere la proposta di questi cinque musicisti, di assoluto valore. Se devo trovare qualche punto di contatto della band transalpina con altre in giro per il mondo, i primi nomi che mi vengono sono sicuramente i Nevermore e gli Anacrusis. Mi lamentavo di una penuria di assoli, ma l'attacco di "Prohibition of God" non può che rendermi felice: i nostri danno infatti prova di come si possa coniugare thrash metal con sonorità alternative, con echi di Faith No More e Korn che si combinano con un rifferama a tratti devastante, ed un finale affidato al ruggito delle chitarre e ad un poliedrico cantato che nello stesso frangente, utilizza growl, scream e clean vocals. Dirompenti, non c'è che dire, anche in versione più dark, come nella successiva più compassata "Homogenetic", una traccia che sembra evolvere verso lidi math con ritmiche schizofreniche e pattern jazzati inseriti in un contesto death metal. Imprevedibili, ecco un altro aggettivo da aggiungere alla sfilza di complimenti che si potrebbe attribuire al combo transalpino, visto che in un bridge atmosferico di basso, fa capolino anche una voce femminile. Poi i Dead Season ripartono per la tangente con suoni deviatissimi, che innalzano ancora il livello qualitativo di un disco che forse corre il solo rischio di essere un po' troppo lungo e complesso. "Guidestones" è una funambolica traccia che si muove tra speed metal, alienanti rasoiate black/death, progressive e tanto tanto altro. Di carne al fuoco qui ce n'è parecchia, tra l'altro in grado di soddisfare tutti i palati, dai più raffinati e delicati amanti dell'heavy prog, fino ad arrivare ai fan più scatenati di sonorità estreme, il sottoscritto in primis, rimasto letteralmente folgorato dalla proposta dei Dead Season. L'unico problema che vedo è quello di non riuscire forse a completare l'ascolto dei 60 minuti di 'Prophecies' in un'unica botta. La strumentale "The Four Minutes of Hate" intanto corre nel mio lettore e i riferimenti ai Cynic e a tutto il movimento techno metal, si sprecano. Un po' di calma in apertura ad "Endless War", giusto il tempo di acclimatarsi per poi rilanciarsi nei tortuosi giri chitarristici di questi fantastici musicisti, di cui mi preme sottolineare nuovamente la prova dei due funamboli, bassista e batterista. Potrei scrivere ancora a lungo visto che i brani si susseguono a ripetizione e allora mi soffermo solo per segnalarvi un altro paio di brani: la forza arrembante di "Sexual Binging" e la spettrale "Ministry of Truth", assai intrigante nei suoi break acustici di chitarra e basso e nei suoi epici cori. Alla fine 'Prophecies' è un lavoro granitico, complesso, maturo e dinamico, semplicemente eccellente. (Francesco Scarci)

giovedì 29 giugno 2017

PLEASE WRITE TO: thepitofthedamned@gmail.com

Framheim - Demo 2017

#PER CHI AMA: Black Old School, Burzum
Interessante sapere che il moniker della band di quest'oggi sia anche il nome della base antartica posta dall'esploratore Roald Amundsen sulla Barriera di Ross nel 1911, come punto di partenza per la conquista dell'Antartide. È forse un interesse storico al limite del morboso quindi a portare i nostri a definire il proprio sound quale "Polar Black Metal". Sicuramente, l'approccio musicale proposto dai Framheim è glaciale, testimoniato non solo a livello lirico ma anche da quel vento sferzante che apre "Lu Fredd", opening track in grado di palesare fin da subito le influenze ancestrali della band italica, che ci riconducono direttamente ai primordi del black, quello che vedeva nelle cavalcate soniche di Burzum un prototipo da seguire, con quei contrasti fra un rozzo e minimalista riffing e quelle parti più atmosferiche guidate da un uso massiccio di sintetizzatori, in grado di rendere la proposta in un qualche modo affascinante. I Framheim seguono quel filone, forti di una registrazione casalinga che sprigiona un mood atavico che farà certamente la gioia di coloro che rimpiangono gli anni '90. Heliogabalus e F. imbastiscono la loro architettura sonora in ugual modo anche in "San Giuseppe Due" (il motoveliero italiano della storica spedizione in Antartide), poggiando su delle chitarre in tremolo picking accompagnate da una furente batteria e con le screaming vocals in sottofondo che fanno percepire appena la loro presenza. Riascoltando l'EP, non ho potuto che apprezzare inoltre il tentativo dei nostri di proporre una forma più primitiva del black metal moderno espresso dai Progenie Terrestre Pura, attraverso il loro sound desolante e al contempo atmosferico. Chiaro, con sole due tracce non è cosi semplice fornire un giudizio strutturato, ma per lo meno è sufficiente per farsi un'idea iniziale di quello che sono e forse diverranno i Framheim. (Francesco Scarci)

(Xenoglossy Productions - 2017)
Voto: 65


mercoledì 28 giugno 2017

Antipathic - Autonomous Mechanical Extermination

#PER CHI AMA: Slam Brutal Death, Osiah
Un tre tracce piuttosto stringato quello dei brutal deathsters italo-americani Antipathic, ensemble che raccoglie la performance di due musicisti provenienti dagli statunitensi Human Repugnance e dai nostrani Zora. Comunque i sei minuti a disposizione del duo formato da Tato e Chris, lascia intravedere ottime sonorità estreme, con gli elementi tipici del genere brutal americano, ma con qualche deviazione al tema. Nella opener ad esempio, "Apparatus", accanto alle ritmiche tiratissime e al classico cantato in pig squeal, i nostri si lasciano andare per alcuni secondi ad un rallentamento da brivido in stile Disembowelment. La registrazione è corposa e bombastica, mentre la ritmica in "Molecular Deviations" assomiglia piuttosto ad una mitragliata affidata ad un M60, dove i proiettili sembrano i vocalizzi isterici del bravo Tato. Ultima è la title track, anche la traccia più lunga, visto che occupa metà tempo dell'EP: l'inizio raccoglie rumori di battaglia, poi si scatena il riffing vetriolico, a sprazzi molto ritmato con la timbrica maialesca del frontman a completare la prima battaglia targata Antipathic. Da monitorare. (Francesco Scarci)

martedì 27 giugno 2017

Left Sun - S/t

#PER CHI AMA: Prog Rock, A Perfect Circle, Porcupine Tree
I Left Sun hanno debuttato per la Ethereal Sound Works con il loro disco omonimo nel 2016, anche se il loro self-titled non rappresenta però il debutto assoluto per il cantante/chitarrista portoghese Flavio da Silva, già sulla scena progressive metal con il suo precedente progetto Oblique Rain. Il disco graficamente si presenta in maniera molto sobria, satinato in nero con il logo bianco della band al centro, all’interno anche il cd è monocromatico, ad eccezione di quella che sembra una mezzaluna grigia che ricorda vagamente le lune degli A Perfect Circle; il booklet infine è anch’esso totalmente nero e reca la scritta “fear is digging deeper”. Una scelta sicuramente studiata ma che, pur conferendo un’aria professionale al disco, penalizza l’immaginario che con una copertina più “parlante”, avrebbe preparato meglio l’ascoltatore alla musica dei nostri, peraltro davvero di ottima caratura. Tuttavia il caption proposto fa pensare. La paura è scavare più a fondo, nulla di più vero, chi oggi ha il coraggio di andare oltre la superficie e tuffarsi nel subconscio più oscuro? Magari proprio i Left Sun. Premiamo play e ci immergiamo nel primo pezzo, "Water Under the Bridge". Un intro di arpeggi sospesi sull’orlo di un buco nero si apre su uno sciabordare di accordi dissonanti che anticipano una strofa che richiama il suono di un vecchio carillon che offre anch’esso l’effetto di essere sospesi sul bordo di una cascata, “all things pass” dice la voce di Flavio, a richiamare il titolo del brano e a ricordarci che la vita è troppo corta per non lasciar andare. Subito dopo la voce s'inerpica su un ritornello decisamente aggressivo e grattato senza mai sfociare su suoni troppo disperati, rimanendo sobrio ma perentorio e deciso. Il pezzo prosegue con mille e una ambientazioni che comprendono grossi riff di chitarra e parti strumentali caleidoscopiche. L’intenzione è sicuramente prog, a richiamare lo stile dei Porcupine Tree ma anche le tecniche sonore degli A Perfect Circle, come giustamente suggerito dalla grafica del disco. Ci troviamo davanti ad un lavoro forse più variegato e osato di ciò che siamo abituati a sentire nel prog, si passa da scenografie prettamente "toolliane" a stacchi di assoli che ricordano gli ambienti dei Pink Floyd, fino ad arrivare a stanze arredate con santini della madonna del Guadalupe e che fanno pensare vagamente a ritmi che si sentono in 'Abraxas' di Santana. Il disco in toto è pervaso totalmente di queste sonorità e le canzoni scorrono senza intoppi lasciando una piacevole reminiscenza di musica del passato ma dal sapore nuovo, esotico ed energico. Da notare l’interlude a metà album che contiene vocalizzi, virtuosismi chitarristici e soluzioni ritmiche sospese nel vuoto oltre che interventi di fiati a richiamare ancora una volta i dischi che ci hanno cresciuto, uno su tutti 'The Wall'. In conclusione, questo disco dei Left Sun ci offre uno spettacolare viaggio nell’inconscio, passando attraverso ogni tipo di scenario fantastico e convincendoci ancora una volta, che il rock non è per niente morto, sta benissimo, scalcia, urla e irrompe prepotente nell’anima. (Matteo Baldi)

(Ethereal Sound Works - 2016)
Voto: 75


The Pit Tips

Francesco Scarci

White Ward - Futility Report
Kynesis - Pandora
Sorrow Plagues - Homecoming

Don Anelli

Deathinition - Online
Lectern - Precept of Delator
Marche Funebre - Lebavoid

Matteo Baldi

Pelican - Australasia
Sumac - What one becomes
Oranssi Pazuzu - Värähtelijä


Offthesky & Pleq - A Thousand Fields
Valery Gergiev & London Symphony Orchestra - Prokofiev: The Complete Symphonies
Darkspace - Dark Space I


Suffocation - ...of the Dark Light
Canvas Solaris - Sublimation
Nephilim's Howl - Through the Marrow of Human Suffering

Michele Montanari

Elder - Reflections of a Floating World
Dynatron - The Rigel Axiom
Steak - No God To Save

15 Freaks - Stuntman

#PER CHI AMA: Heavy/Hard Rock, Iron Maiden
Welcome back to Ethereal Sound Works, ovvero l'etichetta portoghese che mette il Pozzo dei Dannati in cima alle testate musicali a cui spedire gli album delle proprie band. Nel nutrito roster della casa discografica lusitana, oggi abbiamo i 15 Freaks, un quintetto fondato nel 2012 e che ha il quartier generale a Sintra, una delle città più belle del Portogallo poiché caratterizzata da lussuosi e stravaganti palazzi colorati costruiti su verdi colline, e atti ad ospitare la nobiltà. Capirete perché il fu Lord Byron la definì il giardino dell'Eden. Ma come sappiamo le anime tormentate degli artisti non trovano mai pace, che vivano nel sobborgo più triste di qualche austera città dell'est Europa o a ridosso di una spiaggia dalla sabbia abbagliante e acque cristalline. Questo dimostra come l'uomo cerchi in tutti i modi di raccontare la propria verità, scavare nel profondo dei sentimenti, gridando e mettendo in musica le ingiustizie a cui siamo sottoposti ogni giorno. Dopo un po' di elucubrazioni mentali torniamo alla band, nata più di quattro anni fa, ma che solo alla fine dell'anno scorso è riuscita a dare alla luce l'EP di debutto, questo 'Stuntman' appunto. Le tracce sono cinque e sono il prodotto di musicisti che hanno divorato la musica di Iron Maiden, Led Zeppelin, The Cult, Aerosmith e quant'altro, quindi quando ascolti tanto buon hard rock, che cosa può nascere durante le sessioni in sala prove? Lascio a voi l'ovvia risposta e passiamo in rassegna le canzoni: "Time Flies" è una song costruita su riff orecchiabili, ritmica trascinante e tutti gli orpelli del genere, come assoli e cantato potente. La title track cambia registro e mette una marcia in più alla band, che dopo un pieno di adrenalina ad alto numero di ottani, decolla e si lancia in picchiata. Le chitarre sono ben suonate, il suono convince e si amalgama bene con la tumultuosa sezione ritmica ed il basso pulsante. Un tuffo nel passato che ti fa venir voglia di prendere il gilet in pelle e rispolverare la vecchia Harley riposta in garage. Quasi cinque minuti di hard rock che si concludono con un finale in stile live con la classica gran rullata. "15 Freaks" è l'omonima traccia dal groove assai orecchiabile, con quel tanto di hair metal e glam che si intrufola nel cervello e si attacca al vostro tronco celebrale per restarvi a lungo. Ben fatti anche gli arrangiamenti che a fine ritornello danno un tono oscuro al sound, mostrando le altre sfaccettature del brano e della musica prodotta dalla band portoghese. "Crazy Randy" sembra uscita direttamente da un side project degli Iron Maiden, con una progressione strumentale ed un cantato che si avvicinano molto alla band di Steve Harris e soci. La canzone è anche la più lunga dell'EP e qui la band infonde tutto il proprio bagaglio artistico, dando fondo al repertorio di assoli e riff senza bisogno di alcun break per sostenere una traccia corposa e solida. I 15 Freaks non vincono sicuramente il premio come miglior band innovativa, ma dimostra tuttavia che l'attitudine ad un genere che tanto ha dato alla musica, regala sempre grandi emozioni. Speriamo solo che i nostri possano ricevere le soddisfazioni che si meritano. (Michele Montanari)

(Ethereal Sound Works - 2016)
Voto: 70